Este domingo se lleva a cabo el velatorio al «Indio» Solari, referente del rock nacional que falleció el viernes a sus 77 años, en Ituzaingó. El homenaje tiene lugar en Avellaneda, en el Polideportivo Municipal José María Gatica, y se estima que podrían acercarse un millón de personas.

Se calcula que llegaron 15 mil fanáticos por hora, motivo por el que se rumorea que el velatorio se extenderá por un día más, con la intención de que todos puedan ingresar a la capilla a despedirlo. Pero quienes lo hagan, no podrán dejar más objetos, fue un pedido de su familia debido a que «prácticamente no hay más lugar».

Asimismo, el gobernador de la provincia de Buenos Aires, Axel Kicillof, aseguró que su gestión trabaja para garantizar una despedida ordenada y masiva, luego de que la Nación rechazara la posibilidad de realizar el funeral en el Congreso.

Vale recordar, a pocas horas de conocerse el deceso del ex líder de los Redonditos de Ricota, algunos fanáticos se acercaron a su casa de Ituzaingó, donde fue hallado sin vida, para despedirse. Entre ellos, se hallaba el diputado Máximo Kirchner. De acuerdo a las fuentes, el legislador solía visitar al cantante y compartía cenas.

Carlos Alberto “Indio” Solari murió este viernes a los 77 años en su domicilio de Parque Leloir, en el partido bonaerense de Ituzaingó. La noticia generó una profunda conmoción en el ámbito artístico y entre miles de seguidores que lo convirtieron en una de las figuras más influyentes del rock nacional. De acuerdo con las primeras actuaciones judiciales, se realizará una autopsia de rutina para determinar formalmente la causa del fallecimiento.

Nacido en la ciudad de Paraná y vinculado artísticamente a La Plata, Solari alcanzó notoriedad como cantante, compositor y principal referente de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Junto a Skay Beilinson, construyó un fenómeno cultural que trascendió lo musical, basado en la independencia artística, letras cargadas de simbolismo y una relación única con su público.

Al frente de Los Redondos, el músico protagonizó una de las etapas más importantes de la historia del rock argentino, con discos emblemáticos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota y Luzbelito. Tras la separación de la banda en 2001, continuó su carrera junto a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, manteniendo una convocatoria masiva en cada una de sus presentaciones.

En 2016 hizo público que padecía la enfermedad de Parkinson, un diagnóstico que progresivamente limitó su actividad artística. Su último recital presencial tuvo lugar en 2017 y, desde entonces, continuó vinculado a la música mediante grabaciones, participaciones virtuales y distintos proyectos creativos.

La muerte de Solari marca el final de una etapa fundamental para la cultura argentina. Con una obra que atravesó generaciones y una figura rodeada de mística, el artista se convirtió en símbolo de identidad para millones de seguidores. Su legado permanecerá en canciones que transformaron el rock nacional y en un fenómeno popular difícil de igualar.

El doming 30 de noviembre, a las 20hs, en The Cavern de Buenos Aires, Valentín Carrión cerrará el 2025 con un show especial. El músico interpretará los clásicos de The Beatles, canciones de propias, realizará homenajes y sorteos de merchandising oficial de Liverpool.

Carrión, quien participó por segundo año consecutivo de la Semana Beatle Internacional de Liverpool y el Festival BarnaBeat de Barcelona, estará acompañado por una banda de alto nivel.

Nació en Buenos Aires en 1996. Hijo de los cantantes líricos del Teatro Colón Omar Carrión y Carmen Nieddu, creció rodeado de música y desde muy pequeño sintió fascinación por The Beatles. A los 9 años formó su primera banda, Aula 12, con la que ganó el Premio Revelación en el Pepsi Music Pro Junior Festival (2006) y se presentó en escenarios como La Trastienda, Tecnópolis, The Cavern Buenos Aires y el Quilmes Rock 2013.

El cantante fue en ascenso y llegó a brindar un show en The Cavern Club de Liverpool, donde The Beatles comenzó su historia. Este año, cerró la Convención The Beatle que se llevó a cabo en Roxy Bar.

En agosto de este año lanzó “Suspirando”, su primer single como solista: una canción pop melódica con tintes nostálgicos y una letra sensible sobre los amores que no terminan de ser. El tema fue grabado en su home studio junto a Julián Semprini (baterista de Pedro Aznar) y Guido Spina (La Máquina de Hacer Pájaros), con mezcla y máster del reconocido productor Ariel Lavigna (Mercedes Sosa, Cerati, Serú Girán, Nathy Peluso). El videoclip, dirigido por Tomás Ovalle, está disponible en YouTube, al igual que el single en todas las plataformas digitales.

En la actualidad, Carrión interpreta a John Lennon en la banda internacional The Beatle Experience, a bordo de un crucero.

“Mapa surgió como un grito de ayuda —cuenta Miles—. Estaba en un momento donde entendía que ya no quería sostener la vida que venía llevando, pero tampoco sabía cómo dedicarme por completo a la música. Fue el comienzo de un viaje interior, de desaprender a sobrevivir para poder aprender a vivir”.

La canción fue escrita en una etapa de crisis y búsqueda, inspirada en episodios de ansiedad y pánico que la impulsaron a repensar su camino y reconectarse con su deseo más genuino. “El pánico puede ser realmente demoledor —dice—. Lo único que me salvaba era la música. Sentía que era la única compañía que no me juzgaba”.

Esa experiencia se transformó en un punto de inflexión creativo: “Mapa” es, al mismo tiempo, un refugio y una brújula emocional.

Compuesta en su cuarto, Miles llevó la canción a distintos talleres de canciones —con docentes como Juanchez y Santi Adano—, donde profundizó su búsqueda artística y continuó formándose en composición. Finalmente la produjo junto a Mailo (productor de Juana Rozas y Clara Cava), con quien grabó su voz, guitarras y los arreglos finales. El resultado combina la sensibilidad del rock alternativo con una producción moderna, íntima y orgánica, donde la voz de Miles se despliega con una honestidad cruda y luminosa.

Formada como música y productora musical, Miles lleva años perfeccionando su sonido. Estudió canto con Ivonne Guzmán, y actualmente se forma en guitarra con Fran Durante (The Pups). Sus influencias van desde Fiona Apple, Nina Simone y Tash Sultana hasta Janis Joplin, Gorillaz y Florence Welch, referentes que dialogan con su universo emocional y estético.

Desde muy joven encontró refugio en la música. “Me pasaba horas en mi cuarto escuchando discos de Fiona Apple o Hendrix, y ahí sentí por primera vez que alguien podía entender lo que me pasaba a través de una canción. Yo también quería transmitir eso”.

Después de un viaje por Europa y un ataque de pánico en un avión, la artista entendió que el camino no estaba afuera, sino adentro. “Mapa” representa ese retorno: la decisión de seguir el deseo como brújula y hacer de la vulnerabilidad una forma de renacer.

El lanzamiento inaugura una nueva etapa en la carrera de Miles, que actualmente prepara una serie de fechas acústicas y ultima los detalles del EP “Mapa”, a editarse hacia fines de 2025.
En 2026, gracias a una beca obtenida para estudiar música en Nueva York, proyecta una gira y la expansión internacional de su proyecto.

“No hay una sola manera de ir tras lo que uno desea. A veces el mapa se dibuja mientras se camina”, resume Miles, quien hace de su música una invitación a reconectar con la emoción y el deseo de estar vivos.

El próximo 10 de octubre a las 23:59 hs, el colectivo musical Octámbulos se presentará en el Polo Cultural (CABA ) con una propuesta artística única que fusiona música en vivo, ritual, performance y catarsis colectiva. Un viaje hipnótico que invita a la introspección, la conexión sensorial profunda y el baile sin freno hasta el amanecer.

La noche contará con la participación de Abyayala Ballet, aportando percusión africana en vivo, una performance especial a cargo de TEKOHA, y un DJ set que llevará la energía al máximo. Una celebración psicodélica, ritual y expansiva, donde la música se transforma en canal de liberación.

Octámbulos nació del cruce de músicos callejeros que tocaban en bares y se encontraban en el mítico Drugstore de Ruta 26 (Ingeniero Maschwitz), sumando influencias tan diversas como raperos, folkloristas, metaleros y músicos experimentales. Hoy, esa alquimia sonora se expresa en un show poderoso, visceral y envolvente.

Su música bebe de influencias tan eclécticas como Tigran Hamasyan, Brad Mehldau, el Príncipe Sumo, Slayer, Limp Bizkit, Red Hot Chili Peppers, los Redondos, Eminem Radio tarifa, Ojos de brujo, Molotov, Las Manos de Filippi. Con una identidad musical propia, Octámbulos combina fuerza rítmica, poesía, atmósferas oscuras e intensas y una puesta en escena que no deja indiferente.

Actualmente, la banda se encuentra lanzando singles de su nuevo disco “A Palacio”, fruto de sesiones intensas y orgánicas, donde cada integrante aporta su universo personal. La producción es completamente grupal y autogestionada, con el apoyo técnico de Otto Studio (grabación, mezcla y mastering).

En los últimos años han compartido escenario con artistas que admiran. En 2021 ganaron el certamen “Escobar Vibra”, en 2024 telonearon a Nonpalidece ante más de 10.000 personas, y en 2025 compartieron fechas con Sara Hebe y Riddim, consolidándose como una de las propuestas emergentes más potentes del circuito alternativo.

Una invitación a un ritual colectivo de música, cuerpo y trance.

10 de octubre – 23:59 hs

 Polo Cultural – Ciudad de Buenos Aires (Francisco Acuña de Figueroa 1040)

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Hijos de la Sangre es una banda de grunge/alternativo formada en 2024 en Buenos Aires por Lucas Caveda (guitarra líder y voz), Gabriel Sotomayor (bajo y coros), Lautaro Rodríguez Silva (guitarra rítmica) y Valentín Echeverría (batería). Se consolidan en la escena under porteña con un sonido potente, visceral y variado.

El nombre surgió incluso antes de la formación: en una lista de treinta posibles opciones, coincidieron en que “Hijos de la Sangre” representaba la fuerza y la identidad que buscaban.

Con influencias que van desde Alice in Chains hasta el punk y el rock nacional, Hijos de la Sangre construye un estilo que combina crudeza, energía y cercanía con su público. Sus integrantes provienen de trayectorias diversas —del glam metal y el heavy hasta el grunge y el punk—, lo que les otorga un sonido propio y versátil.

“Somos una banda enérgica, variada y cercana con su gente. Donde las tablas tiemblen y los pisos truenen, allá estará sonando Hijos de la Sangre”, definen los músicos.

En octubre de 2024 lanzaron su primer EP, Juegos de Azar, un debut arrasador que marcó el inicio de su búsqueda sonora.

En abril de 2025 presentaron su segundo trabajo, Pulso, de donde se desprende el corte difusión “Hijos de la Sangre”.

Ambos EPs fueron compuestos y producidos de manera autogestiva por los cuatro integrantes, alternando entre ideas individuales y sesiones de improvisación en ensayo. Las baterías y voces se grabaron en Estudio Urizen, con mastering a cargo de su dueño, mientras que guitarras y bajos se registraron en el home studio del bajista, quien también realizó la mezcla.

 El resultado es un trabajo con sello propio, forjado a base de independencia, búsqueda sonora y entrega colectiva.

En apenas un año y medio, la banda realizó casi 50 presentaciones, recorriendo gran parte de la Capital y la Provincia de Buenos Aires, y debutando en Córdoba en el 990 Arte Club.

 Se presentaron en espacios icónicos como Niceto, Makena, El Emergente, Liverpool, Club Conjura y Cemento.

Entre sus hitos destacan:

Octubre 2024: Presentación de Juegos de Azar en Club Conjura, con 120 personas.

Mayo 2025: Presentación de Pulso en Club Liverpool, con más de 200 asistentes.

Julio 2025: Primera gira a Córdoba.

Con una ambición constante de crecimiento, Hijos de la Sangre trabaja actualmente en la preproducción de su tercer lanzamiento discográfico, con innovaciones sonoras y performáticas.

En paralelo, preparan nuevas fechas en la segunda mitad del 2025, entre ellas un regreso a Liverpool el próximo 12 de  septiembre.

Glassrows, banda de rock pop argentino de Villa Devoto, lanza Too Late For Regrets, un álbum que explora la fragilidad emocional y la resiliencia humana. Su nombre, que significa “Filas de vidrio”, simboliza la complejidad de mostrar los sentimientos y la marca que dejan las heridas del pasado.

El disco propone un viaje emocional que comienza con intensidad y rabia, y evoluciona hacia la introspección y la calma, reflejando momentos de ansiedad, desamor, y superación. Con un mensaje claro –“no estás solo”–, la banda invita a sanar y mirar hacia adelante.

El grupo realizó presentaciones en los escenarios de La Trastienda, The Roxy y Lucile. Además, compartió escena con figuras como Todos Tus Muertos y Lucho de Attaque 77, Glassrows consolida su crecimiento, han grabado también junto a Jimmy Rip (guitarrista y productor de Mick Jagger) y el reconocido productor Álvaro Villagra.

Influenciados por una amplia gama musical que va de The Beatles a Slipknot, Glassrows prepara su segundo disco, reafirmando su identidad entre lo melódico, lo visceral y lo emocional.

Estos dos sencillos destacados son: «Muñeca pérdida» de Hernán Waso Fuentes y «Ella vendrá», un cover de la mítica banda de los 80, Don Cornelio y la Zona, liderada por Palo Pandolfo.

Después de 2 discos en su haber, WasoFuentes está preparando el lanzamiento de *#Hurlingham*, que será el primer EP de la banda. El mismo estará disponible en todas las plataformas a fines de septiembre.

Hernán Waso Fuentes comenta: «El EP se llama #Hurlingham porque es la ciudad que me adoptó cuando vine de Córdoba. Para mí, Hurlingham es la capital del rock nacional, ya que aquí nacieron bandas como Sumo, Las Pelotas, Divididos y Los Piojos, que eran de Ciudad Jardín».

«Me siento ansioso y con ganas de presentarlo. Aunque no tanto como con los discos anteriores, ahora lo tomo con más naturalidad. Estoy esperando que salgan nuevas fechas, aunque entiendo que es complicado salir a tocar para las bandas under, principalmente por el costo del movimiento y la logística», agrega el líder de la banda.

WasoFuentes se presentará en vivo el sábado 10 de agosto en Taller Astadis, en Conscripto Bernardi 650, Hurlingham. El evento es un festival a beneficio y la entrada es sin cargo.

Detalles del EP #Hurlingham

El EP *#Hurlingham* cuenta con cinco temas que reflejan la diversidad y el talento de WasoFuentes:

1. Muñeca pérdida – Hernan Waso Fuentes

2. Salida – José Basavilbaso

3. Fuego en la herida – Hernan Waso Fuentes

4. La calle es su lugar (Ana) – GIT

5. Ella vendrá – Don Cornelio y la Zona

Producción: Diego Pugliese

Arte de tapa: Quimey Daiara Mansilla

Ilustración: Harry Fuentes

Integrantes de la Banda de WasoFuentes 2024

Guitarrista: Carlos Mollito Avalos

Guitarrista: Darío Lumacchi

Bajista: Víctor Díaz

Baterista: Marco Tano Forciniti

Voz: Hernán Waso Fuentes

Hernán Waso Fuentes es farmacéutico graduado en Universidad Nacional de Córdoba, pero además es un destacado solista y cantautor que ha realizado shows en innumerables escenarios de Argentina con su banda de estilo pop rockero. Su música combina la intensidad del rock con la poesía lírica, creando una experiencia única para sus seguidores.

«Tienen el espíritu de seguir evolucionando». Así definió el saxofonista Marcelo Garofalo a La Renga, se desempeña como sesionista de la banda. El artista contó como es trabajar con el grupo de rock y la diferencia con otras bandas, también lo hizo para Los Ratones Paranoicos. «La Renga tiene una magia», dijo. Además, reveló que siempre se busca sorprender en las series de shows con la lista de temas, brindando detalles de lo hecho en Racing. Por otra parte, contó que es parte de un cuarteto de saxo y un proyecto de tango.

«Para el último caso, donde fueron cuatro recitales seguidos y hubo que cambiar los temas, aunque ellos son de cambiar la lista, se hizo una lista de 12 temas y se agregó los que tocamos siempre. Lo que pasa con La Renga, es que capaz te toca un tema que hace años no lo hace y hasta nosotros nos olvidamos la letra», contó en Radio Búnker 94.9, en «El Tanke de Búnker», sobre el trabajo con la banda en la previa de los shows.

«Hace trece años que estoy con ellos. Trabajé como sesionista en varias bandas de rock, y creo que La Renga es en donde más tiempo estuve. Con los Ratones Paranoicos también fueron un par de años. Pero ellos es como que se separan y vuelven, La Renga sigue y tiene una magia», sostuvo Garofalo.

Los géneros musicales en los que participa: «Me encanta el rock, pero no me dedico solamente a eso. También hago jazz, tengo un proyecto de tango, aunque el instrumento mío no es algo típico de ese género», indicó.

«Tengo un proyecto de varios años con un cuarteto de saxo, se llama ‘Chamuyo’. Siempre tocamos con invitados», agregó.

La diferencia de un recital en un bar y ante miles de personas: «Como compromiso, es lo mismo tocar en un bar para 30 como en un estadio, vas a sentir los mismos nervios. Pero en estos recitales tan grandes (Racing), nosotros tocamos vientos, el clima influye muchísimo en nuestros instrumentos. Si hace calor es complicado, porque la afinación sube. Si hace frío es peor, la afinación baja. Nuestro trabajo es, capaz, estar siete temas sin tocar y entrar en uno con la banda súper aceitada, tocando en un volumen que no es acorde. A veces tenemos que estar atrás y tocando entre nosotros, calentando los instrumentos», explicó.

¿Participó en la serie de recitales en Avellaneda con líneas de fiebre?: «Fue entre los recitales. El miércoles, entre los recitales del martes y jueves, terminamos tarde y me levantó fiebre. Ponemos mucho esfuerzo en hacer esto, había cansancio. Al otro día estuve bien gracias al médico, hicimos de todo para que se pasara en un día», detalló.

El show de Los Ratones Paranoicos en el hipódromo: «Ellos se habían separado unos años, y esa fue la vuelta. Lo que tuvo de particular ese recital, es que se grabó un DVD, un disco en vivo. Tiene versiones de temas que no tenían viento, ahí le pusieron», destacó.

La anécdota con La Renga: «Tocábamos en el Único de La Plata, fue el año pasado eso, en una serie de tres shows, y se probaba sonido a las seis de la tarde. La primera vez que fui, salí 16:30 y llegué re temprano. Entonces, la segunda vez dije ‘voy a buscar a mis nenas a Palermo y de ahí nos vamos’. Una salió 17:45hs, no sé que camino agarré, y se me hizo un tráfico. A las 17:45hs estaban todos listos, yo no estaba ni a mitad de camino. Empecé a recibir llamados de nuestro jefe amigo, después el asistente. Terminé llegando una hora tarde al estadio, con mis nenas para colmo, y me estaba esperando en la puerta el asistente de vientos. Los camarines estaban tan lejos, había que subir y bajar escaleras, como a dos cuadras del escenario. ‘Chizzo’ y ‘Tanque’ ya estaban en camarines. Le avisan a los chicos, y los dos genios bajaron y probaron un par de temas», contó.

«Después del show uno se relaja, sobre todo los chicos de la banda. En un momento me encuentro en el camarín con ‘Chizzo’ y ‘Tanque’ y les pido disculpas. Entonces ‘Tanque’ me dice no, vos no tenés que cumplir más horario, podés venir a la hora que quieras», agregó.

La evolución de la banda: «Ese es el espíritu que tienen, seguir evolucionando y no repetirse a ellos mismos. También, seguir creciendo de acuerdo a las influencias y buscando nuevos sonidos. El último disco tiene mucho de electrónico, aunque es muy rockero. Y la composición, siempre buscan y quieren algo nuevo», remarcó.

«Marisa Mere en vivo» es el nombre de la nueva gira de Mere que comienza el 1 de marzo a las 20:30h en el Club Cultural Matienzo (Av. Juan Bautista Justo 2959, CABA), donde compartirá escenario con la banda Yogha, de Agustín Ferro y Lucía Borensztein.

La grabación de «Mágica» se realizó en diciembre en el  Estudio Woman junto con su  banda compuesta por Silvio Ottolini en batería, Gonzalo Jimenez en bajo, Dario Casciaro y Agustin Ferro en guitarras.

Mágica  es el  comienzo de varios temas nuevos que Marisa tiene preparados para este año.

El  videoclip de ‘Mágica’  tendrá  formato de Making-of y fue dirigido por Franco Cesario, Milagros Cesario y Fabian Sanudo.

‘Mágica’, fue producido en conjunto por Marisa, Silvio Ottolini y Agustin Ferro. A pesar de haber podido grabarla en su estudio “One Rock Music” dónde graban muchos artistas importantes del pop rock ,esta fue una nueva experiencia para atesorar.  “Tengo 51 años dijo Maru y es la primera vez que me meto en un estudio diferente a grabar mi música. Ya tengo casi 3 discos y muchas canciones que voy a lanzar próximamente”, comentó Marisa con mucho entusiasmo.

Mere, con más de veinte años de trayectoria, trabajó con grandes figuras de la industria nacional e internacional como Miguel Zabaleta, Suéter, Marcelo Moura, Marilina Ross, Claudia Puyo, Celeste Carballo, Manuel Wirtz, Lali Esposito, Vilma Palma e Vampiros, Pimpinela , entre otros.

Una vez más, nos muestra  su versatilidad y pasión por el rock, el soul, el country y el folclore, con su voz única y su presencia escénica, la cantante, bailarina y coach vocal nos invita a un viaje musical lleno de emociones. “A mi no me ha sido fácil, en la música a veces he dado pasos más rápidos y en otras ocasiones más lento. Yo elijo confiar en que voy hacia donde quiero ir”.

Además de los singles que sacará Mere este año están las canciones que Marisa y Fabiana Cantilo compusieron y grabaron y formarán parte de la banda sonora de la película «Lágrimas de fuego», un proyecto ideado por Fabiana donde Mere debuta como actriz. Este 2024, Marisa Mere promete que será un año cargado de sorpresas y shows en vivo que darán vida a nuevas canciones que pronto estarán disponibles en todas las plataformas digitales.